在客观世界中寻回自我

陈醉

　　宋代的苏东坡曾从理论上对文人画进行过阐释和定位，他说:“论画以形似，见与儿童邻”，意思是画得光是像，就跟小孩的水平一样。“赋诗必此诗，定非知诗人”，写诗是什么就写什么，这个人肯定不是诗人，这种见解和指导思想是宋代绘画很重要的发展。苏东坡把文人的思想和书法笔趣自然地引入到画中，导致了绘画审美领域的极大变革。宋代以后绘画方式产生变化的重要结果就是文人介入了绘画，古代的画家地位并不高，与“百工”相等，被称为工匠，画壁画也不能署名。其实国外也是这样，古希腊时期的画家也是匠人，最了不起的是诗人，是哲学家。

　　中国文人画极其推崇“逸笔”，重“意”而轻“形”。在此之前，富丽堂皇的唐代绘画已被宋代工致细腻的画风所取代。如果从绘画技巧来看，文人画并不是很重视技巧，而是主张抒写胸中逸气。所以从技巧的发展来讲，绘画在一定意义上是衰落了，但它却加进了文人的意趣。文人不同于民间工匠，唐诗宋词高峰以后，文人觉得诗词这种文字表达，还不能把自己的胸中逸气更充分地宣泄出来，所以文人画就出现了。文人注重画中趣味，而且加上了很多文学上的东西，因此，画家本人的地位提高了很多，画面中出现了诗文，出现了作者的署名，出现了各种礼仪上交往的记录，这是一个很重要的变化。

　　经过一段时间的磨练，文人画产生了一种新的技巧，对笔墨的玩味越来越明显，出现了重视笔墨的倾向。文人对这种渗化的趣味，包括对墨对毛笔的更细腻的把握，达到了一种新的高度。工匠的技巧衰落了，而写意的文人技巧又冒出来了。直到后来文人画根本摒弃色彩，靠“墨分五色”来解决绘画的色彩问题，这个时候文人画发展到了极端。这个变化，成了宋元之后中国绘画传统的发展和延续，形成了中国绘画的重要特色。此后，文人画作为一个模型，诗、书、画、印成了基本元素，再加上线条墨色渲染的趣味，构成了文人画的总体特征。它已经不像唐代的壁画，而且也不是那种以工笔为主的宋代院画，当然和民间绘画那种对美好愿望的表达也完全不同。另外，文人画整个色彩也不像民间绘画的那种大红大绿，而是以淡雅灵动为旨归。

　　文人画的这种趣味逐渐得到了中国人的认同，尤其是文人阶层的喜爱。到了石涛、八大山人，他们更强调自我的表达，更加个人化，尤其把“传神”理论推向新的高度，并提出“似与不似之间”、“一画论”这些重要观点。中国文化讲“知人论世”，讲文如其人，讲画如其人。一般而言，从书法中就能看出一个人的品性，这个感受是从作品里体现出来的，自己的气质表现在中国画里尤其重要，用黑格尔的话来说，就是“在外物世界中寻回自我。”